James MacKeown est un artiste peintre contemporain dont la pratique s’inscrit dans une exploration sensible du paysage et de la mémoire. Originaire d’un environnement rural marqué par de vastes étendues et des variations atmosphériques fortes, il développe très tôt une attention particulière aux phénomènes de lumière, aux changements de saisons et aux perceptions fugitives du territoire. Cette relation intime à la nature demeure aujourd’hui au cœur de son travail.
James MacKeown travaille principalement à l’huile sur toile, un choix qui lui permet de développer une temporalité lente et une richesse de textures. Son processus repose sur une construction par couches successives : la peinture est appliquée, retravaillée, parfois partiellement effacée, puis réactivée. Ce travail de stratification, proche d’un processus de sédimentation, confère à ses œuvres une profondeur particulière, où chaque étape laisse une trace, visible ou enfouie.
Ses compositions prennent souvent leur point de départ dans des esquisses réalisées sur le motif ou à partir de photographies personnelles. Toutefois, ces références initiales sont progressivement transformées en atelier. L’image se détache du réel pour évoluer vers une forme plus libre, où les repères figuratifs — horizon, masses, structures — subsistent à l’état de fragments. Cette tension entre ancrage et dissolution place son travail à la frontière de la figuration et de l’abstraction.
Son travail s’inscrit dans une filiation avec certains courants de la peinture contemporaine et moderne, notamment ceux qui interrogent la perception du paysage et la matérialité de la peinture. On peut y percevoir, en filigrane, des échos à la peinture atmosphérique, à l’expressionnisme abstrait ou encore à certaines pratiques européennes de la peinture de paysage revisitée.
Installé et travaillant en atelier, James MacKeown développe une œuvre cohérente et en constante évolution. Sa démarche, à la fois intuitive et structurée, témoigne d’un engagement durable envers la peinture comme espace d’expérimentation et de réflexion. Ses œuvres proposent au spectateur une expérience immersive, où le regard est invité à se perdre, à ralentir et à reconstruire un rapport personnel à l’image.
Né en 1963 à Valenciennes, Yann Kempen est un artiste français. Diplômé de l’École Supérieure des Beaux-Arts de sa ville natale en 1986, il obtient son DNSEP (Diplôme National Supérieur d'Expression Plastique).
L’œuvre de Yann Kempen s’ancre profondément dans les souvenirs d'enfance et les références culturelles populaires. Il explore, entre autres, l'univers des marques emblématiques comme Michelin, La Vache qui rit ou Banania, qu’il réinterprète sur ses toiles à travers les logos d’époque. Son travail s'intéresse également au mythe des super-héros : Hulk, Superman, Shadow ou Wonder Woman, qu'il dépeint parfois de manière fragmentée et stylisée, avec des proportions exagérées qui rappellent l’esthétique des bandes dessinées et des comics.
Une influence marquante dans son parcours est son voyage au Japon, où il est profondément inspiré par la culture manga. C’est à ce moment qu’il commence à peindre des portraits de femmes dans un style résolument manga, tout en travaillant la matière pour donner une texture vivante et dynamique à ses œuvres.
Sur le plan formel, ses toiles se caractérisent par une approche volontairement brute du fond, un choix qui évoque la qualité du papier des premières éditions de mangas et des œuvres populaires. Yann Kempen utilise l’acrylique patinée, sur des formats variés, pour rendre ses créations aussi vibrantes qu'authentiques.
Depuis 1992, l’artiste a exposé son travail dans de nombreuses galeries et expositions, en France, notamment dans la région Nord, à Paris, ainsi qu’en Angleterre. Plus récemment, ses œuvres ont été présentées à Tours, Saint-Étienne et à Vérone, en Italie.
Depuis toujours, la mer fascine les artistes. Elle attire, apaise, inquiète parfois. Elle est à la fois paysage, matière, horizon et mouvement. D’une époque à l’autre, les peintres, sculpteurs et photographes n’ont cessé de revenir vers elle, cherchant à saisir ce qui, par nature, échappe au regard : son mouvement perpétuel, ses changements de lumière, ses silences et ses tempêtes.
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